攝影師之眼：數位攝影的思考、設計和構圖（10週年數位修復珍藏版）

　　★ 蟬連攝影書銷售TOP.1 　　★ 譯成14國語言，橫掃美、英、法、德、加 　　★ 各國Amazon讀者4顆半至5顆星激賞評價 　　★ 跨界探討數位處理、影像藝術與設計美學多重領域 　　★ 照片經數位修復，還原精美色澤與清晰度，紀念經典出擊十年新版 　　在攝影時，你用的是另一雙眼睛。 　　拍照時，透過取景器看到的世界，與肉眼所見會有些微妙且影響重大的差異；而攝影師在創作時，基於自身經驗、創作意圖或構圖原理，也是用另一雙眼睛，觀看、預測眼前的世界。 　　作者寫作本書的目的，是「探索拍照的實際過程。我想稱之為內行人的觀點，不過這樣聽來太狂妄，因為我是借用攝影師（包括我在內）拍攝當下的經驗。拍攝過程中會發生很多事，日後看到拍攝成果的人，卻未必看得到這些事……我在本書想要說明的，是攝影師如何依據意圖、心境和能力，為影像構圖，另外，我也要分享如何精進影像構圖技巧。」 　　➤一幅畫面應該怎麼構圖？ 　　從基本的構圖元素和攝影技巧開始，解釋照片的大小和比例對畫面的影響、設計基本要素的應用（從圖形結構、線條圖案的配置、斜線曲線暗示的張力、明暗對比，到如何平衡視覺重量等），及色彩色調和構圖的關係。 　　➤這樣構圖才漂亮！但是為什麼？ 　　作者提出美學的運作原理，包括人眼閱讀畫面的習慣、視覺心理學，如此，若資深攝影師或玩家已經玩膩了基本攝影和修圖技巧，也可以在掌握美學原理之後，變化出更豐富的風格和表現手法。 　　臨場攝影、街頭攝影的決定性瞬間　攝影師面對的，經常不是靜態、可以所心所欲擺置的場景。作者以實例講解，在街頭拍攝時，如何觀察、歸納、預測景物的變化，以捕捉到決定性的瞬間、高潮的一刻。 　　➤照片只有一張，卻能呈現不同效果 　　照片完成之後，再藉由Photoshop等圖片處理軟體，把同一張照片詮釋出不同味道。透過裁切，調校明暗、對比、色彩，讓畫面呈現不同的效果和意涵。 　　➤認識攝影大師 　　作者同時介紹許多攝影大師或藝術家出場（例如布列松、安瑟‧亞當斯、羅伯‧法蘭克等），帶我們進入大師的世界，一窺他們拍攝時的想法、意圖及心境。 　　這不只是一本關於攝影構圖、影像設計的工具書，也是帶你進入攝影創作、攝影藝術的進階攝影書。 　　【本書章節】 　　1. 視框：探索景框的動感及形狀、影像接合與延伸、裁切、水平線等要素。。 　　2. 設計基本原則：對比、圖案、結構、平衡感和視覺重量等。 　　3. 圖形與攝影元素：水平線、垂直線、斜線、曲線、運動、焦點、曝光等。 　　4. 構圖中的光和色彩：關於光線、色彩、色調的解說，包括黑白攝影。 　　5. 攝影意圖：停下來思考拍攝的內在動機和意圖，你的目的是要取悅大眾，還是要與眾不同、出人意表？ 　　6. 攝影過程：是直覺，還是精心的構思？直覺又有什麼基礎？攝影呈現怎樣的藝術語法，又為何比繪畫更難分析？ 本書特色 　　● 容易閱讀，知識密度又高：提供攝影、美學的知識基礎，拿來休閒閱讀可以進一步認識攝影世界，要作為教學教材也綽綽有餘。 　　● 提供技術性的指引，也啟發對意義的探索：本書有實用的攝影指導。不僅僅分析美學要素和攝影原理（比例、構圖、色彩）、提供可行的取材選項和範例（如何裁切、怎麼取景、怎麼預測景象的變化等），也告訴觀影者如何去找出照片背後的想法，以及讓攝影者思索自己拍攝的意圖。它不僅傳授成為攝影玩家所需的技巧，也傳授成為一位攝影師所需的心靈鍛鍊。 　　● 提供客觀的美學運作原理，也開放主觀選擇的可能性：例如他說明清晰對焦的重要，但也提出清晰對焦的偏執是一種迷思。他說明亮度和色調對視覺的影響，而對同一張照片則可以運用亮度和色調的調整來呈現不同的主觀感受

　　吳嘉寶／視丘攝影藝術學院 創辦人

序 　　「…你如何建構一張照片、照片裡包含哪些東西、形狀彼此之間的關聯、空間要怎樣填補，全部的東西要如何融成一體。」──保羅‧史川德（Paul Strand） 　　距離這本書首次出版已經十年了，而至今仍有許多翻譯本在世界各地熱銷，我想這可以當做某種證據，說明這本書的原始理念確實有其價值。本書的理念獨樹一格，雖然這麼說有些大言不慚，但我的意思是，這本書跟我所寫的其他書都不一樣。我寫這本書有兩個目標：首先，我想提出執業中的報導式新聞攝影師（editorial photographer）的觀點。對以此為業，且生活中全是攝影的我們來說，某些外行人的文章或著作根本不實際，他們的作品我越來越讀不下去。我在第一版的序文中已經提過這個看法。當時我說，旁觀者的角度沒有什麼錯。我還引用了法國哲學家、文學理論學家羅蘭．巴特的說詞：「我無法加入那些人的行列⋯⋯那些以攝影師的方式處理攝影的人。」那時我如此通融，是我不對，我不會再這樣下去了。在我看來，想要書寫某種創意行為，並且言之有物，首要條件是你必須精通這個行為。否則你寫出來的東西再好看，也可能只是謬論。 　　再來，我希望拋開一切關於攝影器材的討論，完全專注在影像的組合。畢竟，這才是我和我認識的每一位職業攝影師，主要在做的事情。讓人難以置信的是，儘管人們對攝影的興趣暴增，關於「影像組合」的書寫卻嚴重匱乏。出於某種原因，專業攝影師並不談論構圖。他們認為那是商業機密嗎？他們真的對此閉口不談嗎？（連對自己也絕口不提？）就算他們確實談到了構圖，所言多半也不具啟發性。匈牙利攝影師安德烈．柯特茲（André Kertész）曾經宣稱從他開始攝影起，他拍的每件作品「都有絕對完美的構圖」，聽起來驕傲極了，但他接著又說那不是他的功勞。他說：「我天生就是如此。」這種說法對誰都沒幫助。 　　請記得，當年職業攝影師還處在攝影圈上游的時候，他們自認是特別的一群。雜誌社和廣告公司老闆也是這麼告訴這些攝影師和他們的觀眾。因此，從產業的角度來看，把完美的構圖歸功於罕見的天賦，也十分合理。沒錯，我以前也是這麼想的，我們過去也都認同這樣的說法。對攝影師來說，「對的東西」不是器材，而是自己的學問。攝影師不會隨便跟別人分享自己的學問，除非那對名氣有所幫助。 　　這個學問，或者說，學問的產出，就是構圖。那麼，構圖有多重要呢？有鑑於市面上的相關著作不多，你可能覺得它不太重要。畢竟影像的組合還包含了其他元素，像是主體本身有不有趣、特不特別，還有拍照的時機、光源的品質、彩色或黑白照的氛圍。當然，還有器材，最基本的是相機和鏡頭，但不是只有這些而已。無論以前還是現在，去一趟攝影展，你會覺得器材製造商似乎掌握了你能否拍出傑出畫面的關鍵。 　　身為職業攝影師，一直以來，我拍攝時絕大部分的心思，都放在如何安排出現在視框裡的一切元素。我想我的同事也一樣，只不過我們私底下不會討論這種事情。我們比較常談到的，是如何接觸特定的拍攝主體，以及我們的嘗試與成功的經驗，像是如何前往某個難以抵達的地點、如何說服原本不願入鏡的人讓我們拍照，或是怎麼取得通行的權利。然而，名聲靠的是你在獲得通行權和拍攝角度以後，怎麼處理你的畫面，以及你的想像力是否充沛。雇主之所以雇用我們，我們之所以能接到新的案子，仰賴的是我們組合畫面的方式。圖片編輯、藝術指導重視可靠度和效率，但他們也想看到令他們驚喜、愉快的影像。在1934至1958年間擔任《哈潑時尚》藝術指導、深具影響力的阿列克謝．布羅多維奇（Alexey Brodovitch）有一句名言，他對攝影師的要求是：「驚豔我吧！」 　　這就是我對構圖的看法，構圖就是攝影的核心。這也是我最初決定寫這本書的理由，雖然我可能不夠生動、文字不夠淺白，但重點是攝影師要能掌控一切，而構圖就是讓你我居於主導位置的唯一因素，構圖讓我們把相機前的混亂理成真正的、吸引人的攝影作品。構圖的重要性始終如一，未來也不會改變。